Ángeles con caras sucias (1938)

Título original: Angels With Dirty Faces
País:
 EEUU
Primera proyección:
 EEUU, 26 Nov. 1938
Duración: 
114 min.
Director:
 Michael Curtiz

Guión: John Wexley, Warren Duff
Música: Max Steiner
Género: Thriller. Acción. Drama.
Reparto: James CagneyPat O’Brien, Humphrey BogartAnn SheridanGeorge BancroftThe Dead End Kids

“Una de las mejores obras del cine de gángsters que tan buenos frutos dio en la década de los 30 en EEUU [...] Curtiz consigue la que, según algunos, es su mejor película tras “Casablanca”(1942)”

Dirigida por el prolífico Michael Curtiz, se basa en una historia original. Obtuvo tres nominaciones a los Oscar y el premio al mejor actor (James Cagney) del “New York Film Circle”. Fue producida por Samuel Bischoff.

La acción se sitúa en el East Side, de Neva York, en los años 20. Tras quince años de ausencia del barrio, a causa de su reclusión en reformatorios y prisión, William Sullivan, alias Rocky (James Cagney, “Al rojo vivo“, 1949), regresa para encontrarse con su mejor amigo de infancia, Jeremy Connolly, alias “Jerry” (Pat O’Brien, “Con faldas y a lo loco“, 1959), convertido en rector de la parroquia. Por diversas circustancias, Rocky se ve obligado a continuar su carrera criminal en colaboración, no exenta de graves tensiones, con su antiguo compañero James Frazier (Humbprey Bogart, “El sueño eterno“, 1946), su jefe Mac Keefer (George Bancroft) y su banda. También se encuentra con Laury Martin, vecina de infancia, en la que halla el apoyo, la comprensión y la amistad, que tanto necesita. La influencia perturbadora de Rocky sobre los muchachos llega a ser tan grande en opinión del débil y meloso padre Jerry, que éste decide iniciar una campaña pública de denuncia del crimen en la ciudad y, consecuentemente, de su antiguo compañero.

La música de Max Steiner (“Lo que el viento se llevó“, 1939) constituye una delicia para los oídos y una fuente de emociones. Es sobrecogedor el acompañamiento de la escena final: se inicia con un fragmento que sugiere un akelarre de brujas y diablos (presagio de la muerte), continúa con una breve secuencia del “Gloria” y finaliza con una magnífica melodía de salvación y triunfo. La fotografía ofrece un soberbio juego de contrastes de negros y grises diversos, que se transforman en opresivos hacia el final de la obra, de la mano de un inspirado Sol Polito (“La calle 42“, 1933). Es sobresaliente el travelling inicial, dividido en dos partes, que muestra al espectador la noticia del día, el ambiente del barrio, la imagen de las fachadas de las casas, un organillo de música y el balcón en el que están apostados Rocky y Jerry.

El guión es rico en matices y se caracteriza por la brevedad de las intervenciones y la sinceridad de los contenidos. Los personajes están dibujados con profundidad y coherencia, sobretodo el del protagonista Rocky, víctima de un error de juventud que implicó su conversión en criminal durante su estancia en un reformatorio y en prisión. Ann Sheridan (“El tesoro de Sierra Madre“, 1948) está deslumbrante de simpatía, feminidad y belleza (con un toque de exotismo) en el papel de Laury, amante de Rocky. El papel de Bogart, camino del estrellato, es tan breve como excelente.

Una de las mejores obras del cine de gángsters que tan buenos frutos dio en la década de los 30 en EEUU. Cagney ofrece una de las mejores interpretaciones de su carrera. Curtiz consigue la que, según algunos, es su mejor película tras “Casablanca” (1942). La escena final es de una fuerza extraordinaria.

Nota del autor:
8,0 ████████ (Muy buena)

7,8 ████████ (Muy buena)
Promedio de notas:
Filmaffinity: 7,6 | CINEol: 7,6 | IMDB: 7,9 | LGEcine: 8,0

POSTAL

El manantial (1949)

Título original: The Fountainhead
Títulos alternativos: Uno contra todos (México)
País:
 EEUU

Primera proyección: EEUU, 02 Jul. 1949
Duración: 114 min.
Director: 
King Vidor

Guión: Ayn Rand (Novela: Ayn Rand)
Música: Max Steiner
Género: Drama. 
Reparto: Gary CooperPatricia NealRaymond MasseyKent SmithRobert DouglasHenry Dull

“[...] Exalta los valores del individualismo y de la lucha personal a favor de la integridad profesional y artística. Critica el colectivismo y sus diferentes formas de manifestarse (gregarismo, moda…) y de imponerse políticamente y socialmente [...] Vista con los ojos actuales, resulta anacrónica la exaltación que propone del colosalismo arquitectónico [...]“

Notable film de King Vidor (“Duelo al sol“, 1946). Escribe el guión Ayn Rand, que adapta su novela “The Fountainhead” (1943). Se rueda en escenarios naturales de California y en los platós de Warner Studios. Producido por Henry Blanke para la Warner, se estrena el 2-VII-1949 (EEUU).

La acción dramática tiene lugar en NYC y Connecticut, en 1948-49. Howard Roark (Cooper) es un joven profesional que cree que la arquitectura está abierta a la renovación e innovación y que la repetición de las soluciones de siempre es empobrecedora. Dotado de una gran capacidad creativa, defiende sus ideas y propuestas con firmeza. Prefiere trabajar como picador en una cantera de granito, que aceptar componendas y sumisiones a las pautas convencionales. En Connecticut conoce a la rica heredera Dominique Francon (Neal), joven, soltera, caprichosa, voluntariosa y apasionada. Él es joven, honesto, íntegro, individualista, idealista y luchador.

El film suma drama y romance. Desarrolla la historia de un profesional que se comporta de modo inflexible ante las presiones personales, profesionales y económicas, encaminadas a obligarle a hacer concesiones a lo convencional, la mediocridad, el inmovilismo, el mal gusto y el capricho de los inversores. Exalta los valores del individualismo y de la lucha personal a favor de la integridad profesional y artística. Critica el colectivismo y sus diferentes formas de manifestarse (gregarismo, moda…) y de imponerse políticamente y socialmente. Ayn Rand (1905-1982), nacida en San Petersburgo, se exilió en EEUU y adquirió la nacionalidad norteamericana. Fue una defensora tenaz de los derechos y valores del individuo frente a la colectividad. Como guionista intervino en el rodaje del film con un grado similar de intransigencia que el del protagonista. No aceptó ninguna modificación del texto y no quedó satisfecha del resultado. La novela tuvo gran difusión en EEUU en los últimos años de la IIGM y notable aceptación entre los soldados norteamericanos que participaban en la contienda. La figura del protagonista se inspira en la del arquitecto Frank Lloyd Wright (1867-1959).

Al mismo tiempo la obra desarrolla una tempestuosa, compleja y tórrida historia de amor, que aporta al relato una interesante y atractiva atmósfera de tensión sexual, que se erige en uno de los elementos protagonistas de la cinta. Se ve reforzada por el uso de símbolos fálicos (martillo automático de la compresora, rascacielos en forma de torre visto en planos contrapicados), sueños y escenas metafóricas. El primer encuentro de Dominique y Howard en las canteras a cielo abierto de granito gris de Connecticut, bajo la luz cegadora del sol de mediodía y el calor abrasador del verano, sirve de alegoría de las pasiones que se desencadenan entre los dos personajes.

Un tercer factor a destacar es la impresionante visualidad que el realizador confiere al relato, con dos secuencias culminantes: el encuentro de los protagonistas en la cantera de granito y en lo alto de la Price Tower. Las dos escenas son complementarias: en la primera Dominique está en un plano más elevado que el de Howard y en la segunda sucede lo contrario

Exalta la firmeza de carácter, la perseverancia, el sacrificio personal a favor de los propios ideales, la defensa de la innovación y de la vanguardia, la libertad artística, etc. Vista con los ojos actuales, resulta anacrónica la exaltación que propone del colosalismo arquitectónico. Casi todos los escenarios de NYC se presentan dotados de amplios ventanales acristalados abiertos a perspectivas grandiosas y elevadas de Manhattan.

La música, de Max Steiner, aporta una inspirada partitura de 29 cortes, entre los que destacan “Título principal”, “Final”, “Ataque al corazón de Cameron”, “Tema de Dominique” y “Celos de Dominique”. Combina fragmentos orquestales solemnes y fragmentos de solos instrumentales (piano). La fotografía, de Robert Burks, ofrece un brillante e imaginativo estilo visual, acorde con los gustos de Vidor, que realza y consolida la fuerza dramática del film. Suma amplias panorámicas, imágenes de excelente composición, desniveles vertiginosos y encuadres de notoria belleza plástica. Buenas interpretaciones, pese al desfase de edad entre Cooper (“Bola de fuego“, 1941) y el personaje que interpreta.

Nota del autor:
8,0 ████████ (Muy buena)

Promedio de notas:
7,6 ███████ (Buena)

FilmAffinity: 7,8 | CINeol: – | IMDb: 7,0 | LGEcine: 8,0

COMENTARIOS DEL EQUIPO LGE

Sandro Fiorito
Fantástico alegato por la libertad individual y el derecho a ser siempre tú mismo. Gran película. 8. 

POSTAL
 

La leyenda del indomable (1967)

Título original: Cool Hand Luke
País: EEUU
Primera proyección:
 EEUU, 01 Nov. 1967
Duración: 
126 min.
Director: 
Stuart Rosenberg

Guión: Donn Pearce & Frank R. Pierson (Novela: Donn Pearce)
Música: Lalo Schifrin
Género: Drama.
Reparto: Paul Newman, George Kennedy, Dennis Hopper, Harry Dean Stanton, Strother Martin, Lou Antonio, J.D. Cannon, Ralph Waite, Anthony Zerbe, Joe Don Baker, Wayne Rogers 

“[...] Una contundente fábula antiautoritaria, que denuncia la crueldad del despotismo, la violencia del abuso de poder, los caprichos del mando totalitario y el sadismo de unos jefes incompetentes [...]”

Drama realizado por Stuart Rosenberg (“Brubaker“, 1980). Se basa en la novela “Cool Hand Luke” (1965), de Don Pearce, autor del guión, de reminiscencias autobiográficas. Se rodó en exteriores de Stockton (CA). Nominado a 4 Oscar, obtuvo 1 (actor reparto, G. Kennedy). Producido por Gordon Carroll, se estrenó el 1-XI-1967 (EEUU).

La acción tiene lugar en una prisión sureña de carretera en los primeros años 60. Narra la historia de Luke “Cool Hand” Jackson (Paul Newman), héroe condecorado de la IIGM, con dificultades de adaptación, que es detenido por la policía tras romper, en estado de embriaguez, varios contadores de aparcamiento. Condenado a 2 años de trabajos forzados, es recluido en la Road Prison 36 (Florida). De carácter solitario y luchador, es un espíritu libre, inconformista e indomable. Es recibido con frialdad por los compañeros y con hostilidad por el ingenuo y bravucón Dragline “Drag” (George Kennedy), líder natural de los reclusos.

La película desarrolla una contundente fábula antiautoritaria, que denuncia la crueldad del despotismo, la violencia del abuso de poder, los caprichos del mando totalitario y el sadismo de unos jefes incompetentes. Como primera tarea, Luke se ha de ganar la simpatía de los compañeros. Lo hace demostrando su capacidad de resistencia en un combate informal de boxeo, que prolonga más allá de su derrota y de su agotamiento. Su participación en una partida de póquer demuestra su impasibilidad y frialdad. Desafía la tortura y las amenazas de muerte.

Las imágenes sugieren paralelismos entre la lucha agotadora de Luke y la Pasión. Son escenas destacadas el combate de boxeo, la apuesta de ingerir 50 huevos y la intervención fugaz e inusitadamente sensual de Joy Harmon lavando un coche. La voz original del capitán del campo (Strother Martin) suena extraña e hiriente, como la locura de su perversión sádica.

La música ofrece composiciones coloristas de guitarra, banjo y viento, que obtuvieron gran éxito. Añade canciones populares, en boca de Harry Dean Stanton (“The Midnight Especial“, “Cotton Field“). La fotografía aporta una narración potente y sobrecogedora, apoyada en una estética realista, sazonada de simbolismo. El guión construye un relato sencillo, que seduce y conmueve. La interpretación de P. Newman (“Camino a la perdición“, 2002) es antológica y muy meritorias las de G. Kennedy (“Un botín de 500.000 dólares“, 1974) y otros secundarios. La dirección trabaja con convicción y entrega.

Obra clásica de la lucha por la libertad y contra la opresión. Es además un drama carcelario emblemático y atípico.

Nota del autor:
8,0 ████████ (Muy buena)

Promedio de notas:
8,1 ████████ (Muy buena)

FilmAffinity: 8,0 | CINeol: 7,8 | IMDb: 8,2 | LGEcine: 8,7

COMENTARIOS DEL EQUIPO LGE

Sandro Fiorito
Renunciar a la libertad es una de las situaciones más crueles a las que puede enfrentarse el ser humano. Entre las rejas de una prisión y con el ojo avizor de estrictos guardias a sus espaldas, la mente se postula como la única que es capaz de escapar, haciendo volar su imaginación y presentándose entre las conversaciones más animosas de los compañeros de la cárcel sobre lo que se podría hacer de poder volver a recuperar la ansiada libertad, mientras se intenta hacer un poco más llevadero el mal trago de verse aislado del mundo, con la rebeldía acechando en el alma de su protagonista. El gran Paul Newman, observado atentamente por ‘uno de los mejores George Kennedy’ que he visto en pantalla, en una historia que deja ver lo mejor y lo peor del ser humano al verse forzado a las situaciones límite que se producen en un duro recinto penitenciario. 8.


POSTAL
 

Pequeña Miss Sunshine (2006)

Título original: Little Miss Sunshine
País: EEUU

Primera proyección: EEUU, 20 Ene. 06 (Sundance Film Festival)
Duración: 101 min.
Director: Jonathan DaytonValerie Faris
Guión: Michael Arndt
Música: Mychael Danna, Devotchka
Género: Comedia. Drama.
Reparto: Abigail BreslinSteve CarellToni ColletteGreg KinnearAlan ArkinBeth GrantPaul Dano, Bryan Cranston

“[...] La obra desdramatiza situaciones de inaptación e infunde optimismo y amor a la vida […] Se elogia el esfuerzo personal para superar las dificultades […]”

Primer largo de Jonathan Dayton y Valerie Faris, con exitosa experiencia en TV, videoclips y spots publicitarios. Se rodó en Arizona (Chandler, Flagstaff y Phoenix) y California (LA, Santa Clarita y Ventura), con un presupuesto de 8 M dólares. Nominada a 4 Oscar, ganó 2 (guión original y actor reparto-A. Arkin). Producida por Marc Turtletaub, David T. Friendly y otros, se estenó el 26-VII-2006 (EEUU).

La acción tiene lugar en Albuquerque (Nuevo México), territorios de Nevada, Arizona y California y Redondo Beach (CA), a lo largo de tres días. Los Hoover son personas con dificultades de adaptación social y familiar. El padre, Richard (Greg Kinnear), intenta vender un libro de autoayuda para triunfar en la vida, sin éxito. La madre, Sheryl (Toni Colette), vive desbordada por el caos familiar. El abuelo Edwin (Alan Arkin) ha sido expulsado de la residencia de ancianos por mala conducta. El hijo Dwayne (Paul Dano), de 15 años, no se habla con la familia. La hija, Olive (Abigail Breslin), de 7 años, regordeta y feucha, sueña con ganar un concurso de belleza infantil. El tío Frank (Steve Carell) se recupera de un intento fallido de suicidio.

La película suma comedia y drama. Narra la odisea de un excéntrico grupo familiar, que recorre con una fugondeta VW de los 70, carreteras de 4 Estados (NM, NV, AZ y CA) para que la hija pueda cumplir su sueño. El relato se presenta saturado de lances cómicos, basados en diferentes fuentes, como la transgresión de normas, el surrealismo, el humor negro y el humor blanco, fácil y superficial. Las transgresiones son inocuas y bastante intrascendentes, por lo que hacen reir sin provocar mala conciencia (abandono de un hospital por la ventana).

El surrealismo se nutre de la propia familia, en la que abunda el desorden, el individualismo, las precipitaciones y la ausencia de relaciones satisfactorias, pese al tranfondo que hay de afecto y amor. El recurso a la crítica social constituye un factor de comicidad, cuando se elogia el esfuerzo personal para superar las dificultades, cuando se defiende la diferencia como factor de enriquecimiento colectivo (frente a tendencias marginadoras), cuando se ridiculiza la aplicación de normas sin los mínimos de cortesía obligados, cuando se denuncian con pasión los esperpénticos concursos infantiles de belleza, inspirados en la vanidad y el mal gusto. La relación entre los personajes cambia a lo largo del recorrido en actitudes y convicciones: el éxito no garantiza la felicidad y el fracaso puede provocarla.

La música, de Devotchka y Mychael Danna, incluye canciones anteriores de Devotchka (“Enemy Guns“), Sufjian Steven (“Chicago“), Rick James (“Superfreak“), Tony Tisdale (“Catwalkin‘”) y tradicionales (“La llorona“) y una canción nueva de Devotchka (“Til The End Of Time“). La fotografía hace uso eficiente de los recursos narrativos y realza la comicidad visual. La acción es trepidante. La obra desdramatiza situaciones de inadaptación e infunde optimismo y amor a la vida.

Nota del autor:
7,0 ████████ (Muy buena)
Promedio de notas:
7,8 ████████ (Muy buena)
Filmaffinity: 7,6 | CINeol: 7,8 | IMDb: 7,9 | LGEcine: 8,0

COMENTARIOS DEL EQUIPO LGE

Sandro Fiorito
Una familia de marginados sociales, rota por el abismo que separa a cada uno de los miembros que la componen, se encuentran ante el reto de tener que soportarse en un viaje con el que tratan de conseguir el éxito (y la felicidad) de su hija en un concurso de belleza. Aunque al principio engaña y parece sólo una divertida road movie no tarda en saber darnos en la cara con su inteligente mensaje, animándonos a ver la vida de otra manera, romper con los prejuicios y las normas más estúpidas, siendo en conjunto todo un buen manual de superación, construido a base de una historia cuyo desarrollo va mejorando a medida que pasan los minutos. Alan Arkin y Steve Carell, sublimes. 8.

POSTAL

Reservoir Dogs (1992)

Título original: Reservoir Dogs
Títulos alternativos: Perros de la calle (Argentina / Chile / Perú / Uruguay) Perros de reserva
(México)
País: Estados Unidos
Primera proyección:
 Estados Unidos, 21 Ene. 1992 (Sundance Film Festival)
Duración: 
99 min.
Director:
Quentin Tarantino

Guión: Quentin Tarantino
Música: Varios
Género: Thriller. Acción.
Reparto: Tim RothHarvey KeitelChris PennSteve BuscemiMichael MadsenLawrence TierneyRandy BrooksKirk BaltzEddie BunkerQuentin TarantinoBurr Steers 

“[...] El espectador se ve movido a reconstruir los hechos que se explican ordenando las partes que componen el relato como las piezas de un rompecabezas […] Un crescendo de tensión que se administra con habilidad y con resultados ciertamente efectivos […] Película de referencia y de gran interés, que no puede dejar de ver ningún cinéfilo que se precie [...]”

Primer largometraje del guionista, actor y realizador Quentin Tarantino (Knoxville, Tennessee, 1963) (“Jackie Brown”, 1997). El guión es del propio Tarantino y de Roger Avary. Se rueda en escenarios reales de L.A., con un presupuesto estimado (IMDb) de 1.200.000 USD. Producido por Lawrence Bender para Live America Entertainment, se proyecta por primera vez en público el 21-I-1992 (Sundance Film Festival, EEUU).

La acción dramática principal tiene lugar en un almacén vacío de L.A., a lo largo de una hora de un día de 1991. La narración incluye a través de flashbacks y de referencias verbales hechos ocurridos fuera del almacén a lo largo de varios días. Joe y Eddie Cabot, padre e hijo, veteranos profesionales del robo y de los atracos, reclutan a 6 especialistas en robos, que no se conocen entre si, para asaltar una joyería en pleno día y obtener un importante botín de diamantes. Los ladrones reclutados se identifican, por razones de seguridad, con nombres de colores. Naranja (Roth) es joven, valiente y decidido. Blanco (Keitel), de media edad, tiene experiencia y cualidades de líder. Rubio (Madsen), con experiencia carcelaria reciente, es un sociópata que siente placer con la violencia y detesta a los policías. Rosa (Buscemi) es egoísta, cobarde, inteligente, frío y obstinado. Azul (Bunker) es un ladrón con experiencia y sin escrúpulos. Marrón (Tarantino) es joven, extrovertido y muy hablador. Marvin Nash (Baltz), secuestrado por Blanco, es un policía joven, padre de un niño de corta edad.

La narración se presenta fragmentada en saltos hacia delante y hacia atrás, que crean la apariencia de una gran complejidad. Una parte de los hechos suceden fuera del escenario del almacén y se conocen a través de referencias parciales que van explicando o sugiriendo los actores a través de los diálogos o se exponen por medio de imágenes en flashback. El espectador se ve movido a reconstruir los hechos que se explican ordenando las partes que componen el relato como las piezas de un rompecabezas. La inusual estructura narrativa confiere al film una apariencia de originalidad y de ruptura de moldes convencionales que adorna la cinta, junto con otros elementos, como los juegos que se establecen con lo ausente y lo que se deja fuera del alcance del plano. Añade imágenes sangrientas, situaciones violentas y escenas escalofriantes.

Por lo demás, la cinta somete al público a un crescendo de tensión que se administra con habilidad y con resultados ciertamente efectivos. En poco tiempo la obra deviene película de culto.

La narración lleva impresa la huella de la cinefília del autor y de su amplio conocimiento del cine clásico y moderno. La principal escuela de Tarantino ha sido su dedicación apasionada a ver cine en salas de proyección y en cintas de video. En esta su ópera prima, refleja la admiración que siente por Scorsese, Hawks, Kubrick, Leone, Fuller, Melville, etc. En la cinta se advierten huellas de grandes películas, como “Lo que el viento se llevó” (1939), “Rashomon” (1950), “Ángeles con caras sucias” (1938), “Grupo salvaje” (1969), “Atraco perfecto” (1956), “La chaqueta metálica” (1987), “Rififí” (1955), etc.

El film se beneficia de dos grandes habilidades del realizador: su excelente dirección de actores y la precisión de su puesta en escena. El guión, escrito en 3 semanas, presenta unos niveles de fuerza, expresividad y consistencia, que hacen del mismo un trabajo próximo a la perfección. El sabor a película clásica le aporta atractivo y capacidad de emoción. No le faltan toques de humor que, en coherencia con la trama, alcanzan en ocasiones los tonos más extremos del negro. El humor hace funciones de atenuante de la violencia.

La banda sonora combina composiciones populares de rock, sobre todo de los años 70, como “Little Green Bag”, “Stuck in the Middle with You”, “Fool for Love”, “Coconut”, etc. La fotografía, de Andrzej Sekula (“Pulp Fiction”, 1994), en color (eastmancolor), compone encuadres de gran precisión, movimientos de cámara brillantes e imágenes poderosas que, con la ayuda del notable montaje de Sally Menke, perturban e impresionan al espectador. Película de referencia y de gran interés, que no puede dejar de ver ningún cinéfilo que se precie.

Nota del autor:
7,0 ███████ (Buena)

Promedio de notas:
7,9 ████████ (Muy buena)

FilmAffinity: 8,2 | CINeol: 8,2 | IMDb: 8,4 | LGEcine: 7,0

Escuchar BSO (Enlaces externos)
Tema 1 | Tema 2  


CURIOSIDADES

Quentin Tarantino quiso a James Woods para desarrollar el papel del Sr. Naranja en la película. En conversaciones con el agente del actor, no obtuvo más que el rechazo del representante, que hizo oídos sordos a las distintas sumas que el realizador ofreció a su cliente. Cuando Woods, que ni siquiera había estado al corriente de las negociaciones, se enteró de esto, despidió a su agente. (IMDb.com | Elaboración propia)

Durante el rodaje, un paramédico se mantuvo en el equipo para asegurarse de que la cantidad de pérdida de sangre del Sr. Naranja era tan consistente y realista como la de una víctima por arma de fuego real. (IMDb.com)
.

El almacén donde se rueda la mayoría de la película era un antiguo depósito de cadáveres. El Sr. Rubio no está sentado sobre una caja, sino sobre un viejo coche fúnebre. (IMDb.com)
.

Para el lanzamiento de la película en Europa, el distribuidor utilizó un cartel para cada uno de los personajes principales. Esta fue una nueva estrategia que hoy día se ha generalizado. (IMDb.com)
.

El presupuesto de la película era tan bajo que muchos de los actores rebuscaron en el fondo de su armario para utilizar su propia ropa (el caso más llamativo es el de Chris Penn y su chaqueta de chándal). Los trajes se proporcionaron gratuitamente por el diseñador, por su declarado amor hacia el género del crimen estadounidense. Steve Buscemi utilizó sus propios jeans negros en lugar de pantalones de traje. (IMDb.com)

Quentin Tarantino y su productor Lawrence Bender solían bromear diciendo que ellos eran los más inexpertos en el set: probablemente tenían razón (IMDb.com)
.

__________

POSTAL
 

El mercader de Venecia (2004)

Título original: The Merchant of Venice (William Shakespeare’s The Merchant of Venice)
País: Reino Unido
Primera proyección: Estados Unidos, 03 Sep. 2004 (Telluride Film Festival)
Duración: 131 min
Director: Michael Radford
Guión: Michael Radford (Obra: William Shakespeare)
Música:
 Jocelyn Pook

Género: Drama.
Reparto: Al PacinoJeremy Irons, Joseph Fiennes, Lynn Collins, Zuleikha Robinson, Kris Marshall, Charlie Cox, Mackenzie Crook, Ben Whishaw

“[...] La dirección no modifica el antisemitismo original [...] Una más que correcta primera adaptación al cine de una de las obras más controvertidas de Shakespeare […]”

Escrita y dirigida por Michael Radford (“El cartero“, 1994), es la primera adaptación al cine de la obra de Shakespeare del mismo título. Con anterioridad se realizaron dos adaptaciones para la TV: una la dirigió y protagonizó Orson Welles (1969) y la otra la protagonizó Laurence Olivier (1973). Se rodó en Esch-sur-Alzette (Luxemburgo) y Venecia. Dispuso de un presupuesto estimado de 30 M dólares. Nominada al BAFTA al mejor vestuario, obtuvo otras 4 nominaciones. Se estrenó el 03-IX-2004.

La acción tiene lugar en Venecia en 1596, tras la Reforma protestante y el Concilio de Trento (1545-1563), en una etapa de gran efervescencia religiosa. Narra la historia de Antonio (Jeremy Irons), mercader veneciano, gay, enamorado del joven Bassanio (Joseph Fiennes). A instancias de éste solicita al prestamista Shylock (Al Pacino) un crédito a 3 meses para financiar la visita de su protegido a Belmont, residencia de Portia (Lynn Collins), pretendida por importantes personajes. El préstamo se conviene con una extraña garantía real.

La película centra la atención en dos vectores dramáticos entrelazados. Por un lado, Shylock encarna el espíritu rencoroso, vengativo, despiadado, intransigente y cruel, que exige la aplicación estricta de la ley, no tanto para obtener justicia como para conseguir una venganza legal. La película, con un añadido inicial, explica la situación de rechazo social de los judios, su reclusión obligada en el “guetto” durante la noche y su exclusión de cargos públicos y oficios nobles. Tras la apriencia malvada de Shylock se esconde una persona atormentada, víctima de abusos inhumanos, que lucha con fiereza en defensa de su dignidad personal. El segundo vector viene dado por las dobles relaciones de atracción, amor y seducción de que es objeto el joven Bassanio por parte, a la vez, de Antonio y de Portia. Se exalta el poder femenino, gracias al cual la mujer se convierte en la clave que domina la situación y la resuelve a su conveniencia. El juicio enfrenta ante el Tribunal a dos personajes situados en la marginalidad de la tolerancia/intolerancia: un prestamista judío y un gay. La vis cómica de la obra original es difícil de dimensionar en el contexto cultural actual. Son destacables las escenas de la pesca con flechas, del inexistente Príncipe de Aragón acompañado de guitarras españolas y del juicio.

La música, de gran belleza, hace uso de viola, piano, guitarra y voz humana. Incluye 4 canciones magníficas (“How Sweet The Moonlight“). La fotografía, de estética clasico-renacentista, es equilibrada, sobria y de composiones armónicas. El guión se ciñe al texto original con escasas alteraciones. La interpretación de Pacino (“Chinese Coffee“, 2000) es muy rica en matices visuales y verbales. El resto del elenco cumple con acertada corrección. La dirección no modifica el antisemitismo del texto original, vigente en Vencia y, también, en Londres en el XVI-XVII.

La película es una más que correcta primera adaptación al cine de una de las obras más controvertidas de Shakespeare.

Nota del autor:
7,0
███████ (Buena)
Promedio de notas:
6,6
 ██████ (Correcta)
FilmAffinity: 6,5 | CINeol: 6,1 | IMDb: 7,1 | LGEcine: 7,0

Escuchar BSO (Enlaces externos)
Tema 1 | Tema 2

.

COMENTARIOS DEL EQUIPO LGE

Sandro Fiorito 
Con todo, es una buena película, ausente quizás de cierta emoción y carente de un ritmo más vivaz que aún así no interrumpe la rápida digestión de la cinta. Ofrece la oportunidad de ver a dos genios como Al Pacino y Jeremy Irons desplegando toda su calidad sobre una ambientación de la época espléndida que hace que disfrutemos navegando por los lugares más bellos mientras nos deslizamos sobre el lirismo y la belleza de las palabras de esta obra de Shakespeare. La música de Jocelyn Pook es una auténtica maravilla. 7

CURIOSIDADES

Ian McKellen fue el primero en quien se pensó para desempeñar el papel de Antonio pero debido a problemas de coincidencia con otros rodajes tuvo que abandonar en el último minuto. Cate Blanchett, también en el último minuto, rechazó el papel de Portia por estar embarazada. Dustin Hoffman estaba interesado en el rol de Shylock, pero cuando se puso en contacto con el director Michael Radford éste ya había concedido el papel a Al Pacino. (IMDb.com | Elaboración propia)

El pecho descubierto de las prostitutas no es un recurso para subir el tono de las escenas, sino que es un añadido de autenticidad histórica. Una Ley de Venecia de aquel tiempo requería que las prostitutas mostrasen sus pechos, ya que las autoridades cristianas estaban preocupadas acerca de la homosexualidad creciente en esa ciudad. (IMDb.com)

Michael Radford suprimió el beso entre Antonio y Bassanio en la versión editada para televisión. (IMDb.com)

Todo sobre mi madre (1999)

Título original: Todo sobre mi madre
Títulos alternativos: All About My Mother (EEUU / Reino Unido / Internacional)
País: España
Primera proyección: España, 08 Abr. 1999 (Premiere)
Duración: 105 min.
Director: Pedro Almodóvar
Guión: Pedro Almodóvar
Música: Alberto Iglesias
Género: Drama. Comedia. 
Reparto: Cecilia Roth, Marisa Paredes, Penélope CruzCandela Peña, Antonia San Juan, Rosa María SardáFernando Fernán-GómezFernando Guillén, Toni Cantó, Eloy Azorín, Carlos Lozano, Cayetana Guillén Cuervo

“[...] Una historia desgarrada, exagerada y melodramática, que reúne a una galería de mujeres luchadoras, liberadas de viejos prejuicios, comprometidas con la vida, que se relacionan, hablan, luchan, no se rinden, dicen tacos, sobrellevan historias personales dolorosas y se apoyan mutuamente [...]”

Largometraje nº 13 del realizador Pedro Almodóvar (Calzada de Calatrava, Ciudad Real, 1949), escrito y dirigido por él. Se rueda en escenarios naturales de las ciudades de Barcelona, Madrid, A Coruña y El Ferrol y en estudio. Gana un Oscar (película de habla no inglesa), un premio de Cannes (mejor director) y 7 Goya (película, director, actriz…). Producido por Agustín Almodóvar y Michel Ruben para El Deseo, Renn Productions y France 2, se proyecta por primera vez en público el 8-IV-1999 (España, preestreno).

La acción dramática principal tiene lugar en Barcelona en 1998, a lo largo de unos 7 meses, con un epílogo situado 2 años más adelante. Manuela Goifman Echevarría (Roth), de 38 años, madre soltera de Esteban (Azorín), de 17 años, pierde al hijo en un accidente de tráfico. En busca de consuelo y de su antigua pareja, viaja a Barcelona, donde reencuentra a un antiguo amigo convertido en mujer, La Agrado (San Juan), que le presenta a Rosa Sans (Cruz). Poco después conoce personalmente a la actriz Huma Rojo (Paredes) y a su amante Nina (Peña). Más adelante se reencuentra con su antiguo compañero de pareja, convertido en el travestí Lola (Cantó), enfermo terminal. Manuela, enfermera titulada, aficionada al teatro, es una mujer fuerte, con deseos de superación e imbatible por los embates de la vida. Rosa es una monja bondadosa y generosa, que vive dedicada al cuidado de enfermos, toxicómanos y excluidos. Huma aparenta fortaleza, pero es frágil, y arrastra un espíritu triste. Nina lleva una vida sin rumbo y busca refugio en la heroína. La Agrado es sencilla, servicial y de pocas luces. Le gusta hacer agradable la vida de los demás.

El film suma drama y comedia. Desarrolla una historia desgarrada, exagerada y melodramática, que reúne a una galería de mujeres luchadoras, liberadas de viejos prejuicios, comprometidas con la vida, que se relacionan, hablan, luchan, no se rinden, dicen tacos, sobrellevan historias personales dolorosas y se apoyan mutuamente. La vida de las protagonistas está llena de emociones y sentimientos, cuya distribución cubre todo el arco de la sensibilidad humana: alegrías, disgustos, tristeza, melancolía, decepciones, desgarros, dichas, desdichas, afectos, desencuentros, etc., que se combinan con un festivo punteado de humor a cargo, sobre todo, de La Agrado.

El relato se apoya en el sentido trágico de la vida que caracteriza a los trabajos de Almodóvar (“Hable con ella“, 2002). En este marco, la vida de las protagonistas palpita, avanza, se renueva, cambia y se afirma a diario con viejas y nuevas razones. El escenario en el que se mueven está comprometido con la realidad. En él conviven drogadicciones, prostitución, sida, transexualismo, amores y celos. La consistencia del relato se basa en las excelentes interpretaciones del elenco de actrices, con actuaciones tan destacadas como las de Cecilia Roth (“Laberinto de pasiones“, 1982) y Marisa Paredes (“La vida es bella“, 1997). La obra constituye un hermoso retrato del mundo femenino.

Como es habitual en el mundo almodovariano, todos los personajes son iguales en derechos, dignidad y privilegios. En este universo sólo se observan diferentes funciones personales y de grupo, que encajan en un sistema en el que todos son iguales (nadie goza de privilegios diferenciales) y se relacionan en pie de igualdad. Muestra con naturalidad un mundo en el que la realidad se manifiesta con la diversidad y riqueza de matices que la caracteriza, en especial por lo que respecta al sexo y a las relaciones sexuales. Madres solteras, parejas homosexuales, parejas heterosexuales de hecho, matrimonios convencionales, parejas que se hacen y deshacen, contactos esporádicos, relaciones efímeras, sexo rápido, etc. son figuras que conviven dando testimonio de la realidad plural de la sociedad y de la naturaleza.

No es cierto que la actitud del realizador ante el espectador se inspire en deseos de ofrecerle un documental sobre el submundo de la prostitución callejera nocturna y su entorno. Tampoco pretende dar lecciones de solidaridad y compasión. No define ni aplica juicios éticos o morales. No investiga las causas sociales y económicas de las lacras sociales. No da consejos ni señala pautas de conducta. Muestra como real lo que es real y como normal lo que la sociedad considera normal.

La película contiene numerosos guiños cinéfilos dedicados a films (“Eva al desnudo”, 1950 – “El hombre elefante”, 1980…) y a actrices (Bette Davis, Gena Rowlands, Romy Schneider…). También dedica guiños de simpatía a obras de teatro (“Un tranvía llamado deseo”), dramaturgos (Tennessee Williams), poetas (García Lorca), pintores (Marc Chagall), arquitectos (Gaudí) y una ciudad de edificios espléndidos, como el templo de la Sagrada Familia y otros (Barcelona). Son escenas memorables el parlamento de La Agrado al público del teatro, la visita de Manuela al camerino de Huma, la rueda de coches en el lugar de encuentro de travestidos y clientes, etc.

Rinde homenaje a las mujeres que han representado papeles de actriz en el cine, a todas las mujeres, a la maternidad, al amor de madre, a los hijos, a todas las madres y a su madre, que muere pocos meses después del estreno de la película. El título del film coincide con el del libro manuscrito que el hijo de Manuela concluye poco antes de morir.

La música, de Alberto Iglesias, compone una magnífica banda sonora, de 15 cortes, con predominio de solos de piano y con un tema principal (“Todo sobre mi madre”) que se repite con arreglos diversos. Añade tres canciones espléndidas: “Gorrión” (Saluzzi), “Canción para mi pequeño y lejano pueblo” (Saluzzi) y “Tajabone” (Ismael Lo), que acompaña el viaje en taxi de Manuela a su llegada a Barcelona. La fotografía, de Affonso Beato, en color (eastmancolor), crea una visualidad vibrante, luminosa y colorista, que combina vistosos ocres, naranjas, rojos y azules, un diligente trabajo de cámara y un dibujo muy cuidado que da cuerpo a imágenes de estética recargada y abigarrada.

Nota del autor:
8,0
 ████████ (Muy buena)
Promedio de notas:
7,4
 ███████ (Buena)
Filmaffinity: 7,1 | CINEol: 6,8 | IMDB: 7,9 | LGEcine: 8,0

 

COMENTARIOS DEL EQUIPO LGE

Sandro Fiorito 
Porque en la vida hay muchas cosas por descubrir o, al menos, que conocer para entender, intento tirar abajo las puertas de cualquier prejuicio y esmerarme en verlo todo con mis propios ojos. Confieso que, por unas cosas u otras, no había logrado hasta el momento sentarme y ver con tranquilidad ninguna película de Pedro Almodóvar. En lo personal, así como en lo político (y no por sus ideas, ojo, sino por algunas ofensivas declaraciones), no es una persona que me desprenda demasiada simpatía. “Todo sobre mi madre” ha sido la primera obra que veo del manchego y tengo que confesar que su resultado me ha gustado mucho. Es una película que sabe combinar la tristeza de nuestras vidas con la simpatía con la que debemos contemplarlas. Caracterizada por lo que llaman el universo ‘almodovariano’ (travestis, drogadictos, putas, minorías en general y marginados sociales en particular, personajes destrozados, etc.) relata de manera convincente y muy particular la desolación que padece una madre que ha perdido a su hijo y la posterior odisea que vive rodeada de viejas y nuevas personas que conoce, todas ellas con algún problema que las atormente. En general, la película es un desfile a través de multitud de sentimientos que buscan algo de esperanza en nuestro mundo maltrecho. Su banda sonora es fabulosa, la fotografía esconde agradables detalles y sus interpretaciones son muy esmeradas. 8

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

CURIOSIDADES

El monólogo de Agrado está basado en un hecho real. Cuando el sistema electrónico de un teatro argentino falló, el director suspendió el show. La actriz Lola Membris decidió dar la noticia a la audiencia haciendo una oferta: si se quedaban, podrían escuchar la narración de su vida. (IMDb.com)