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  • Nerea Madrazo 12:54 el 10/04/2014 Permalink | Responder
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    Entrevista: Jorge Algora, de “Inevitable” 

    “El talento de los actores me ha permitido dejar que la película respire”

    Foto: FOTOGRAMAS.es

    Acaba la proyección. Salgo de la sala con un nudo en el estómago. Tenía unas preguntas preparadas, pero ya no sé ni por dónde empezar. Estoy pensando en ello cuando organización me avisa que puedo entrevistar a Jorge Algora. Tengo que prevenirle, su película me ha dejado “tocada”.
    Barcelona | Nerea Madrazo, LGEcine.org
    Primero, felicidades por la película. Yo he salido de la proyección… no sabría definirlo, ha sido intenso. ¿Cómo viviste tú el proceso de creación del guion?

    Yo siempre trato que mis películas tengan ese punto final que dé la vuelta a la historia. Hay otro tema que tengo muy presente, la violencia de género. Intento que las espectadoras vean que eso es algo que aparece, que no te esperas. Hay que estar alerta, porque hay síntomas.

    No se puede obviar los toques de comedia que hay en la película.

    Yo creo que es ironía. El tipo acaba convirtiéndose en algo que nos produce gracia, casi por vergüenza.

    Es que es hasta dramático lo ridículo que llega a ser.

    Claro, es indigno. Pasa tantas veces… el tipo que en otros frentes se emborracha… He buscado otro frente. Que no sea algo gastado. Lo que más me interesa de esta película es el proceso de degradación. Creo que el hombre masculino se convierte en un tipo absolutamente degradado, porque tiene una imbecilidad encima que no es capaz de llevar bien.

    O sea, ¡que es una reflexión sobre el propio género, el género masculino!

    Yo creo que sí. Hay el tipo que intelectualiza, el que supera el nivel carnal y sexual y se controla y sabe medirse. Pero hay mucho elemento masculino que no sabe controlarse y eso les lleva al disparate. Todo dentro de unos márgenes está bien, pero si no tienes vías de escape, eso es una olla a presión. Esta olla a presión la planteo al principio de la película, donde el único síntoma es la hija del matrimonio que se comunica a gritos. Ellos son perfectos, ella es un cielo, aunque quizás no demasiado pasional. Se trata de romper eso: ¿cómo no te has dado cuenta de lo que tienes delante?

    ¿Hasta qué punto crees que el talento de los actores [muy alto] te ha ayudado a contar esta historia?

    Me ha permitido dejar que la película respire, que tenga sus tiempos. Su interpretación tenía tantos matices que no quería cargarme la credibilidad que tienen. Quitando la desquiciada de Mabel [risas] que es un torbellino. Son como unos violines perfectos.

    Y a la interpretación la acompaña un sonido que destaca por ser realista, limpio. De hecho está nominado a los premios Mestre Mateo.

    Yo quería que fuéramos muy conscientes del lugar donde se produce la historia. Señalar la superficialidad, la máscara. Para que quedara claro debía subrayarlo con el sonido. Además, la película entra con una banda sonora impresionante. Contrapone la pasión, la emoción a la vida real. Hay otro tema. Los lugares. No sabemos dónde están. Los dejas en suspenso, como si fueran el subconsciente; los otros, la realidad. Es el mundo frío de Fabián, ordenado. El parque ya es aire. El barrio de ella, auténtico.

    Volviendo a las nominaciones a los premios Mestre Mateo [sábado 12 de abril de 2014]. Tenéis seis: mejor sonido, mejor banda sonora, mejor largometraje, mejor actor de reparto, mejor actriz de reparto y mejor montaje. Si sólo pudieses ganar una, ¿cuál te gustaría que fuese?

    El de la banda sonora. Berrogüetto es uno de los mejores grupos gallegos, que además, se acaban de deshacer. Era la primera banda sonora que han hecho. Por el trabajo que han hecho.

    Y en el plano realista, ¿cuál crees que vas a ganar?

    Es que es Galicia. Yo creo que Mabel Rivera [mejor actriz de reparto] y mejor banda sonora. Y quizás el premio al mejor montaje.
    Es que los premios de las academias son algo muy particular.

    A veces ya se les ve venir.

    Luego te sorprenden. En El niño de barro (2007) me llevé nueve en estos mismos premios, siendo una película rodada en Argentina. Me lo llevé todo [Risas]. Pero fue una sorpresa, no me lo esperaba. Cuando de pronto le dieron maquillaje… ya es que me lo llevé todo [más risas].

    ¿Para qué bajar del escenario?

    Claro, porque además la mayoría eran argentinos y me habían relegado el ir a recoger los premios. [Risas]

    De nuevo, felicidades por la película.

    Muchas gracias.

    Enlaces
    >Crítica de INEVITABLE, por Nerea Madrazo.
    Fotografías: Fotogramas.es
    Entrevista de Nerea Madrazo para LGEcine.org
    No está permitida su difusión sin citar las fuentes autoras

     
  • Olivia Huerva Sese 16:00 el 09/04/2014 Permalink | Responder
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    Entrevista: Chema Rodríguez y Javier Pereira 

    “Juan Diego tiene más energía que ninguno de los que estábamos en el rodaje, y canalizar eso a veces costaba”

    Este viernes se estrena Anochece en la India, ópera prima de ficción por el cineasta Chema Rodriguez quien es acompañado en las interpretaciones por Juan Diego y Clara Voda como protagonistas, además de Javier Pereira aunque en menor cuantía. Nos ofrece una aventura entre dos personajes, Ricardo y Dana. Ricardo decide viajar a la India en una furgoneta como en los viejos tiempos cuando llevaba hippies a Oriente aunque debido a su enfermedad, estos últimos diez años los ha pasado en una silla de ruedas sin poder prácticamente moverse por si solo, entonces mediante Dana, su asistenta rumana, emprenderán un viaje repleto de impedimentos a su paso. Anochece en la india se presentó en la 17ª edición del Festival de Málaga, galardonada como mejor intérprete por Juan Diego y mejor montaje, se estrena el 11 de abril, distribuida por y Wanda Vision. LGEcine, en compañía de los medios Cinemaadhoc y Tierra Filme, ha tenido el placer de entrevistar a su director Chema Rodriguez y a el actor de reparto Javier Pereira.
    Madrid | Olivia Huerva Sese, LGEcine.org
    ¿Cómo fue el proceso de realización del film con tantas localizaciones?

    Chema Rodríguez. Anochece en la India está basada en un libro que escribí en 2002, cuyo protagonista es Lorenzo del Amo, un tipo que llevaba hippies a la India en los años 60/70. En los 80 tuvo un accidente en el rio Níger en África y quedó parapléjico. Lo que cuenta es un tipo con una vitalidad, una fuerza, una energía brutal, y lo que yo me imaginé es lo que ocurriría, si Lorenzo acompañado por su asistenta que tenía en ese momento, polaca, qué pasaría si Lorenzo decidiese volver a la India en su estado actual y realizar ese viaje por tierra. Así surgió la historia del guión, luego el resto se fue construyendo a medida que evolucionaba el proyecto, aunque el personaje de Juan Diego desde un principio se pensó en él y cuando vi a Clara Voda en Si quiero silbar silbo, que es una película que ganó el Oso de plata en el Festival de Berlín hace unos años, me imaginé lo que podría ser dos actores tan explosivos como Juan Diego y una vida tan interior como la de Clara Voda, juntarlos en una historia y un guión para que hicieran un recorrido desde la oscuridad hacia la luz.

    ¿Cómo convenciste a Juan Diego para que aceptase un papel en el que se requiere un esfuerzo físico elevado?

    C.R: No os podéis imaginar el esfuerzo que realiza Juan Diego. Creo que en la pantalla no se llega a percibir, solo hay un plano en todo el film que hay un especialista y estuvo a punto de querer hacerlo también, pero todo lo demás lo hace él personalmente. Juan Diego tiene una fuerza interior brutal, tenía más energía que los eléctricos, que el director de producción, más energía que ninguno de los que estábamos en el rodaje, y canalizar eso a veces costaba. Es un actor brutal en lo físico y en lo emocional da unos matices y unas miradas en las secuencias que son un poco de comedia, pero que él permite con un silencio llevarlas a otro territorio más oscuro o viceversa. Es la grandeza de lo que aporta un actor como Juan Diego.

    ¿Le ha implicado mucho esfuerzo adaptarse a la silla de ruedas?

    C.R: A Juan Diego le ha implicado muchísimo esfuerzo, iba hasta el supermercado en silla de ruedas, se tomó mucho tiempo hasta que consiguió adaptarse a ella, hacía mucho ejercicio y cuando fue al rodaje ya la manejaba a la perfección, parecía un jugador de baloncesto. Él es un actorazo, cada cosa que se propone lo hace con la misma obsesión y energía.

    ¿Cómo conseguisteis financiación de la idea entre dos personajes rodar en la India?
    C.R: (Risas) ¿Cuánto tiempo tenemos? A ver, esta película se planteó desde el principio como una co-producción internacional con Rumanía y Suecia y llegó un momento en la que estuvo muy bien financiada, tenía todo lo que necesitábamos, el guión gustó en Europa y conseguimos financiación por Euroimages. Aquí nos ofreció ICAA medio millón de euros, la junta de Andalucía, Canal Sur… Casi todo lo que la película podía disponer, pues lo tenía, además era una idea que gustaba entre las personas que financiaban la película, un viaje a la India, su historia…

    Por lo que empezamos a rodar, lo que pasa que a mitad del camino, el productor quebró y la financiación se vino abajo, parte de lo disponíamos en Andalucía se vino abajo y como consecuencia de que los demás elementos de la financiación estaban a nombre del productor que quebraba pues todos esos documentos y contratos no valían para nada o tenían poco valor. Me quedé sólo en mitad del océano, tuve que levantar la financiación, no podía retroceder porque nos habíamos gastado el ochenta por ciento del presupuesto en rodar la parte más barata y lo que nos quedaba era un solo y exclusivo contrato de Canal Sur, que cuando iba al banco con este único documento se morían de la risa… pero bueno, sería largo de contar todo el proceso de cómo llegamos a conseguirlo con ayuda de mucha gente. El viaje de financiar la película quizás ha sido más aventura que la propia película, ha sido muy duro, pero por fortuna está acabando bien porque las posibilidades en todo el proceso de que no hubiese película fueron muchas, y si al final es una película digna y ha ganado un par de premios, se estrena en cines… es un lujo.

    LGEcine: ¿La elección de Clara Voda para ser partícipe de la historia ha sido influenciado por la co-producción entre Suecia y Rumanía?

    C.R: No. Primero conocí a Clara, vi que podía hacer un tour de force muy interesante con el personaje de Ricardo y a partir de allí conseguimos la co-producción. No fue nada complicado, yo simplemente me limité a escribir a las diez o doce productoras más importantes, me contestaron cinco, y de estos, a todos les interesaba, una de las productoras era quien había financiado la película que Clara había ganado el Oso de Plata en Berlín y conseguimos sacarles 200.000 euros a los rumanos.

    LGEcine: Juan Diego es el personaje principal, sobrelleva el peso de la película, pero es un diálogo continuo entre dos personas que se complementan muy bien, ¿Cómo ha sido el proceso de rodaje con ella?

    C.R: Cuando la conocí no hablaba español y comenzó a aprenderlo un poco tarde en el Instituto Cervantes pero yo quería que no lo aprendiera muy bien porque en la película ella lleva escasos años en España cuando empieza a trabajar para él y no tenía que tener un acento muy pronunciado y trabajado. El trabajo con ella ha sido brutal, es una actriz increíble, porque no es para nada la mujer que se ve en pantalla, además trabaja muy bien el lenguaje corporal, los silencios. Ahora ha sido fichada por el representante de Russell Crowe.

    ¿ Javier Pereira, en este film se te ve escasamente, desde el principio estabas en el proyecto?

    C.R: De hecho iba a hacer el papel de Juan Diego, pero… (Risas)

    Javier Pereira: Si bueno, todo surge porque Chema tenía una película anterior a esta en la que estuvimos a punto de trabajar, al final no salió y entonces en esta nos apetecía trabajar juntos aunque fuera un papel pequeño, los dos encantados de colaborar juntos y luego hasta se intentó que el personaje reapareciera, pero muy inteligentemente no se hizo ya que distraía de la trama principal.

    C.R: Es que además el personaje te pide volver a salir entonces intentamos ver la manera de hacerlo posible, pero era muy forzado. De todas formas, yo he hecho dos films de ficción y en las dos ha estado él, así que….

    J.P: No hay dos sin tres… (Risas)

    Hasta ahora se te ha visto en el género documental, ¿Cómo ha sido ese salto de documental a largometraje de ficción?

    C.R: Ha sido un salto totalmente natural. Cuando hago documentales siempre utilizo técnicas de ficción y al hacer ficción siempre estoy pensando en nutrirme de la realidad para contar historias.No lo veo como dos mundos distanciados. Ahora la película que estoy pensando se rueda en Guatemala, también es una ficción pero hay mucha realidad metida, a mí me gusta el término de cine de lo real, la utilizas para nutrirte igual que a lo hora de hacer documental. A la hora de hacer documentales, cuando hay personas por medio, para que realmente pueda funcionar con el público tienes que jugar con la ficción, y al final es contar historias. Todo viene de la realidad, pero todo es ficción.

    ¿Nos puedes hablar de tu siguiente proyecto, en Guatemala?

    C.R: Una película de ficción en Guatemala que se llama Siete horas, es un largometraje muy pequeñito, con un presupuesto muy reducido, como corresponde a la realidad. Ya he vivido la experiencia de partir de un presupuesto alto para tener que reducirlo, por lo que ahora partiremos de un presupuesto pequeño. Basada en una historia real de un niño robado que vivió durante tres años con el hombre que mató a su familia pero, la historia real es la relación entre el niño con su madre adoptiva y otro niño, con un trasfondo muy duro que es la Guerra en Guatemala, pero a la vez tierna y emotiva.

    ¿Cómo ha sido el que te de contrarréplica un actor como Juan Diego?

    Javier Pereira: Ha sido un autentico placer trabajar junto a uno de tus referentes interpretativos, uno de los más grandes que tenemos vivos en este país ahora mismo y simplemente disfrutar de él en un personaje tan característico como el suyo. Además es muy generoso con los compañeros, y así se aprende mucho, son unas clases magistrales gratuitas, por lo cual encantado.

    ¿Habéis tenido algún tipo de problema en rodar en paises como Afganistán, Irán?

    C.R: No, en Afganistán no hemos rodado. El largometraje se ha rodado en la India, Turquía, Rumanía y España. Lo que se ve de Irán está rodado en la India y en Almería. Es que el desierto de Almería está mucho mejor que el desierto de la India. Nosotros necesitábamos un desierto pedregoso, por lo que el desierto de Almería fue idílico, a mi no me extraña que en los años 70/80 se viniesen a rodar películas del Oeste, son unos escenarios cojonudos y además están muy bien preparados. No ha sido una opción del final, sino todo lo contrario, me resultaba más caro rodar en Almería que en la India, porque nosotros estábamos allí, podríamos haber alargado dos semanas más la estancia pero no resultaba tan potente.

    Rodar en la India si fue complicado pero sobretodo por el entendimiento por la producción india y nosotros. Yo estuve tres años para preparar la producción y un mes y medio antes de empezar a rodar, tuve que despedir al productor de la India, porque no nos entendíamos. Te dicen a todo que sí, pero cuando llega el momento nada, pero por fortuna contactamos con el ministerio de la India que se encarga del sector cinematográfico y contactamos con un chico que había sido el director de localizaciones en Slumdog MillionaireNos entendimos a la perfección, le planteé lo que quería hacer y me dijo que le era posible, pero cuando llegó el momento de rodar, ellos están acostumbrados a rodar con unas veinticinco personas lo que para nosotros se puede hacer entre cuatro, es decir, cada uno tiene una sola y exclusiva función. Nos costó entendernos en cuestiones culturales.

    LGEcine: Javier, la semana pasada se estrenó La sangre de Wendy y esta semana Anochece en la India, ¿Cómo estás viviendo este fenómeno después de Stockholm? Y después de tantos años de trabajo, ¿Cómo se está llevando el Goya a Actor Revelación?

    Javier Pereira: Bueno ya sabes que son rachas, La sangre de Wendy la rodé hace un año y Anochece en la India hace dos años y medio, rodé antes que Stockholm incluso, luego ha coincidido que se han estrenado juntas y bueno son épocas, por lo que hay que disfrutarlas. En cuanto a lo del Goya, yo estoy encantado. Todo parte de las normas impartidas por la Academia, que si eres la primera vez que se te nomina, vas directamente a actor revelación, da igual las películas que hayas realizado. Con lo cual, yo ni contaba con eso pero mira me ha llegado, ha sido una experiencia maravillosa y a disfrutarla.

    LGEcine: ¿Qué te gustaría hacer en cine y todavía no se te ha brindado la posibilidad?

    J.P: Hay una cosa que me apetece mucho y es el verso, aunque no es muy usual verlo en cines, es una cosa que no he trabajado mucho y realmente me encantaría. Desde La vida es sueño, Lorca, un Romeo y Julieta lo haría encantado, me quedan muchos personajes por interpretar y sobretodo en verso.

    Chema, ¿cual es el proceso de una película desde que escribes el guión? ¿cómo es en esta?

    C.R: Primero escribo una primera versión, una segunda o tercera y a partir de allí busco a alguien que me complemente. El proceso de una película empieza en el guión evidentemente pero a mí me parece que es bueno que intervengan varias personas con distintas sensibilidades que puedan aportar distintos elementos, luego el guión lo pillan estos señores (señalando a Javier) y allí realmente es donde comienza el proceso de recreación. Además de cogerlo el director de fotografía, todo un equipo artístico que va dando forma a el largometraje. Cuando se dice que la película es de, a mi me pone muy nervioso, se que es así, es el convencionalismo, pero como mínimo es el trabajo de unas once personas, pero en el proceso creativo, que participan de una manera brutal los actores, guionistas, director y director de fotografía.

    Enlaces
    >Crítica de ANOCHECE EN LA INDIA, por Olivia Huerva Sese.
    Fotografías: Olivia Huerva Sese / LGEcine
    Entrevista de Olivia Huerva Sese para LGEcine.org
    No está permitida su difusión sin citar las fuentes autoras

     
  • Sofia Pérez Delgado 12:46 el 08/04/2014 Permalink | Responder
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    Miel (2013) 

    Título original: Miele
    País: Italia
    Primera proyección: Italia, 01 May. 2013
    Duración: 96 min.
    Director:
    Valeria Golino

    Guión: Valeria Golino, Francesca Marciano, Valia Santella (Novela: Mauro Covacich)
    Música: Varios
    Género: Drama.
    Reparto:
     Jasmine TrincaCarlo CecchiLibero De RienzoVinicio MarchioniBarbara RonchiRoberto De FrancescoValeria BilelloElena CallegariEastynn Chadwick

    “[...] Una propuesta arriesgada, valiente, y ante todo, alejada de juicios éticos, que se resuelve de manera satisfactoria, en gran parte debido a su equilibrio entre la objetividad y la sensibilidad [...] Capaz de conjugar un tema fundamental con una sugerente estética”

    Valeria Golino es una actriz italiana que ha gozado de cierta fama internacional gracias a su intervención en películas como Rain Man (1988), Leaving Las Vegas (1995) o Frida (2002), además de haber ganado numerosos premios importantes en su país. Para su ópera prima tras las cámaras, Golino se enfrenta a una propuesta arriesgada, valiente, y ante todo, alejada de juicios éticos, que resuelve de manera satisfactoria, en gran parte debido a su equilibrio entre la objetividad y la sensibilidad. El resultado es Miel, basada en la novela de Mauro Covacich A nome tuo, que tuvo presencia en los Premios LUX del Parlamento Europeo, en los EFA, y en numerosos festivales el año pasado, recibiendo una mención especial del jurado en Un certain regard de Cannes.

    Irene es una chica aparentemente normal. Está realizando una investigación en la facultad de medicina, parece que tiene novio, amigos, se lleva bien con su padre… Pero en realidad, su vida es otra. Profesionalmente, Irene se hace llamar Miel, y pertenece a un grupo que asiste a enfermos terminales para acabar con su sufrimiento, dentro del cual se siente completamente comprometida. Frente a su frialdad con respecto al proceso que aplica con precisión, cada persona a la que ayuda le deja un poso dentro, que se manifiesta de manera física en forma de taquicardias y hemorragias. Pero casi son más dolorosas las reacciones emocionales: Miel no quiere ligarse a nada ni a nadie, mantiene una relación con un hombre casado, se aísla del mundo a través de la música… Ella parece sin embargo adaptada a ese tipo de vida, hasta que se le plantea un fuerte problema moral: el encuentro con un hombre llamado Carlo Grimaldi. Todas las convicciones de Miel se van a ir poco a poco desmoronando, mientras asistimos a su proceso de transformación.

    Golino nos va entregando la historia en pequeñas dosis, como un puzzle lleno de piezas que el espectador va juntando en su cabeza, y que finalmente se nos muestra totalmente completo en el que es el momento más duro de la película, del que no conviene desvelar más de lo necesario. Un momento que Golino rueda con una franqueza e inmediatez que podrían carearse perfectamente con un Michael Haneke. Pero si la escena es fundamental es sin duda porque en ella se produce una de las rupturas más radicales de la cuarta pared: Miel mira directamente a la cámara, implicando en lo que está haciendo al espectador, al que no sólo se atreve a enfrentarse de manera abierta y sin intermediarios, sino que le hace partícipe de la situación. Sabiéndose observada y descubierta, algo se quiebra en el interior de Miel (encarnada por una entregadísima Jasmine Trinca, La mejor juventud, 2003).

    Miel es una película capaz de conjugar un tema fundamental con una sugerente estética, a través de la cual deja abierto de nuevo el debate: ¿qué se debe hacer, dar a aquellas personas que no tienen remedio (físico o mental) la posibilidad de una muerte digna, o dejar que la vida siga su curso y el final les llegue de manera natural? O, lo que es peor, ¿dejar que, a falta de ayuda, busquen remedios más denigrantes? Golino no da respuesta a estas preguntas, y deja que cada cual reflexione sobre lo que ha visto. Un trabajo delicado y meritorio que respeta los valores, la capacidad de decisión, y, por encima de todo, la vida, y que evidencia el talento de esta nueva directora ante la que nos encontramos.

    Distribuida en España por GOOD FILMS
    Vista en PASE DE PRENSA el Jueves 03 de Abril de 2013 en CINES PRINCESA, Madrid.

    Nota del autor:
    7,0 ███████ (Buena)
    Promedio de notas:
    No realizado.Película en CARTELERA a partir del 11 de Abril de 2014.
    FilmAffinity: — | CINeol: — | IMDb: — | LGEcine: 7,0

    COMENTARIOS DEL EQUIPO LGE

    Sandro Fiorito
    Esta es la película de una historia, pero básicamente de un personaje. De una mujer. De un enigma. Aunque la apariencia inicial del rol interpretado por una sobresaliente Jasmine Trinca deje ver a una persona tétrica y metódica que se dedica a apagar las vidas de los enfermos que ya no soportan prolongar su sufrimiento, lo cierto es que ella se hace llamar Miel. Miel como el dulzor de esa mirada infantil que le brilla en ocasiones, arrancada de las entrañas de la soledad (y es que se puede estar sólo incluso acompañado). Miel como la muerte que se extiende, dulce y silenciosa, sobre quienes se van sin hacer ruido y por voluntad propia, al ritmo de una melodía de Bach. Miel como la sonrisa repleta de sinceridad que puede llegar a lucir este personaje. Valeria Golino ofrece como resultado una película absorbente y con escenas llenas de fuerza, que transita el terreno más dramático sin necesidad de manipular nuestros sentimientos con descaro, vistiendo de belleza y armonía una historia de sufrimiento. El sufrimiento de Miel, el de sus asistidos, el de aquellos con quienes ésta se relaciona. Una película con muchas reflexiones y llena de interés no sólo por la trama, sino también por todos los detalles que deja la buena dirección de Golino, entre los que también destaca una banda sonora diferente, compuesta por varios temas que se integran a la perfección con la atmósfera de la cinta. 7.

     
  • Olivia Huerva Sese 19:57 el 07/04/2014 Permalink | Responder
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    Sacristán: delantera de gallinero 

    “Hay películas que no se pueden ver sentado,
    sino de rodillas”


    Olivia Huerva Sese | Madrid

    El canal de cine clásico TCM, estrena cada mes en Cineteca, un documental auto-producido sobre la industria del cine. El jueves 3 de Abril tuvo lugar el estreno SACRISTÁN: Delantera de Gallinero.

    Realizado por Pedro González Bermúdez, nos cuenta mediante entrevistas del propio José Sacristan, anécdotas de su niñez, reflexiones, en definitiva su historia de como consolidó su carrera artística desde la nada, una niñez obligado a ir a el taller, pero que pronto sería consciente de que ese no era el futuro que el había elegido, y haría todo lo posible por cambiarlo.

    José Sacristán recibió el Premio Retrospectiva-Málaga en la decimoséptima edición del Festival de Málaga de Cine Español, y el pasado jueves estuvo presente en Cineteca para presentar su documental y más tarde realizar un coloquio con los presentes.

    Entre las múltiples cuestiones abarcadas, se cuestionó como Pedro González había realizado el proceso de trabajo, a lo que se contestó que fue un placer trabajar con Sacristán ya que les abrió las puertas de su casa, les facilitó todos sus recuerdos y lo complicado fue a la hora de montaje, ya que se debía prescindir de mucho material, y en el caso de Sacristán el noventa por ciento de trabajo era bueno, por lo que se fue a lo principal, teniendo que dejar muchas reflexiones muy interesantes en el tintero.

    A lo que Sacristán añadió “Yo no puedo decir nada, no me cae mal este tipo, creo que uno va llevando las edades, y es una especie de cordialidad con uno mismo el reconocerse en el espejo por las mañanas y sobre todo no decepcionar, no perder de vista a el niño que se sentaba en la delantera de gallinero. Cada vez que me situó en una cámara, que me subo a un escenario, yo hecho mano de ese niño, sigo pensando que esto es un juego y pensar que es una suerte a los 76 años poder prolongar el subirme a un escenario”.

    El ir viendo como poco a poco mi trabajo y mi vida van de la mano, al convertirme en un cromo en esa colección de actores consolidados, las joyas de la corona, y que nadie se atreva a tocarlos, solamente Amparo (hija), solo vosotros, los habéis visto.”

    Otro de los temas que se abarcó fue como José Sacristán vivió el cine ya que se considera un amante, y según el tiene un sillón reclinatorio en su casa porque hay películas que no se pueden ver sentado, sino de rodillas, como la película de Julio César de Mankiewicz.

    Tengo un amor a esta profesión… pero me sigue dando muchas más satisfacciones como espectador, aunque uno sepa que todo es mentira, te emociona, no te deja indiferente. Yo tengo un nieto que ya ha visto más películas que yo, en el móvil, la imagen, la maravilla. Yo me compre uno de los primeros vídeos, en la calle Fuencarral, copias piratas, tu comprabas Lo que el viento se llevó y no se veía un carajo, y ese día pongo Lo que el viento se llevó, y me hago pis, y dije coño ahora esto se puede parar, entonces le dí y se quedó Olivia de Havilland en una mala posición, ese día me di cuenta que ya nada sería lo mismo, que yo podía oficiar la ceremonia, que era yo el quien decidía si Capitán Rhett Butler se iba a pasar seis veces Atlanta porque a mi me salia de los cojones.”

    Estáis hablando con uno de los tipos que ha tenido más suerte en este planeta, de Chinchón aquí, y algunos se preguntarán pero que dice este tipo, si ha hecho películas del estilo Mi mujer es muy decente dentro de lo que cabe. Un día me ganó Charo López en títulos estúpidos,: “Todos al servicio”, “No quiero perder la honra”, montones de títulos… pero sí, aquí estoy y esto lo firmo y lo asumo.”

    Otras de las preguntas, fue el personaje que más había disfrutado, a lo que el contestó que no tenía ningún favorito, pero si que tenía una lista, entre ellas con el gran actor Fernando Fernan GómezTenía que ver con la época que estábamos viviendo, fue la época de la transición, nos estábamos contando en esas películas.”

    Una de las temáticas actuales que está a la orden del día surgió en este debate, como es el cine Low Cost. y jóvenes directores quieren rodar con José Sacristán, a lo que él respondió “Son unas apuestas que aunque lo mal que se está y los acontecimientos que están sucediendo en todo lo que respecta a este sector, la gente no se queda quieta, pueden contar conmigo y además no me tienen que esperar, hay un par de proyectos que se están consolidando, y los que vengan , aunque pueda elegir”.

    Y para finalizar, él comentó que no establecía jerarquías ni por medios ni por géneros sino que el personaje, la historia y quien te acompaña es lo principal y esencial. 

     
  • Sergio Cuenca 23:48 el 04/04/2014 Permalink | Responder
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    BARATOmetrajes 2.0 – El Futuro del Cine Hecho en España (2014) 

    Título original: BARATOmetrajes 2.0 – El Futuro del Cine Hecho en España
    País: España
    Primera proyección: España, 51 Ed. Festival de Gijón
    Duración: 88 min.
    Director: 
    Daniel San RománHugo Serra 

    Guión:  Rosa Cabrera
    Música: Manu Sanz, Oscar Chamorro
    Género: Documental
    Reparto:
     Documental

    “[...] Independientemente de la crisis que España, uno debe tener ese punto de autocrítica [...] lo que si he echado en falta en el documental de BARATOmetrajes 2.0 es la opinión de algunas personalidades [...] Si se quiere trazar un futuro, sea del cine con o sin presupuesto, la mejor forma es estrujarse el cerebro y amoldarse un poco a lo que el espectador desearía ver”

    Personalmente yo es algo que ya tengo muy claro y en BARATOmetrajes 2.0 – El Futuro del Cine Hecho en España he podido comprobar cómo en un momento determinado se hace mención a la idea que tenía en mente: es un problema de concienciación social. Es decir, de los muchos puntos que ha tocado el documental de Daniel San RománHugo Serra, tener conciencia de todo lo que conlleva el proceso de hacer una película debería ser fundamental que lo llegásemos a valorar, apreciar y aprender. El cine no es un DVD en una caja con un CD dentro o descargarlo de una página web por tantos euros, sino que es el resultado final de todo un proceso de producción, guion, dirección, vestuario, etc. Lamentablemente el ciudadano común jamás llega (o quizás si) a valorar el resultado completo de lo que supone hacer una película.

    Pasando a los films de bajo presupuestos y lo explicado, debe quedar claro el concepto de que bajo presupuesto no equivale a cutre, gracioso y algo hecho con poco esmero, sino que el hecho de no tener más financiación hace que los recursos han de ser otros y uno a de espabilarse con lo que tiene para rodar en las mejores condiciones posibles porque todo escasea. Ello conlleva, como bien han dicho, bajar el listón y pensar que si uno quiere filmar de forma barata lo mejor es coger a tres amigos, un buen móvil con cámara y tener una  buena idea. No obstante, no hay que confundir el hecho de que también hay otra línea de producciones que se hacen a conciencia de forma barata.

    Quizás lo que si he echado en falta en el documental de BARATOmetrajes 2.0 es la opinión de algunas personalidades que nos hubieran aportado una mejor información o en todo caso, su aportación al documental hubiera sido idónea para darle la redondez que le falta. Me refiero a personalidades como Josep Battle (presidente de Cinesa) o algunos actores de renombre como Fernando Tejero o Adrià Collado, apareciendo estos dos últimos en el documental.

    Otro punto importante a tener en cuenta es la aparición de Internet como medio de difusión para poder darse a conocer, promocionarse y poder llegar más lejos. No olvidemos que por mucho que una película te haya salido redonda y sea maravillosa, de nada sirve si no llega al público. Internet se ha convertido en una herramienta indispensable que no hay que ignorar, sino adaptarse a ella como se demuestra con el estreno de Carmina o revienta (2012), estrenándose simultáneamente en cine, internet y DVD.

    Otra idea importante a tener en cuenta es la del hecho de preguntarnos porque el cine español no funciona salvo puntuales ocasiones. Independientemente de la crisis que España, uno debe tener ese punto de autocrítica y ser consciente de que la gran mayoría de películas españolas que se realizan no llegan a conectar con el espectador por algún motivo. Esta muy bien querer hacer cintas propias o de autor, pero si se quiere llegar a conectar con el público quizás deberíamos aportarles una temática más variada u ofrecerles algo diferente, novedoso. ¿Por qué no algo de ciencia ficción? ¿Algo histórico? ¿Viajes en el tiempo? ¿Viajes en el espacio? El ciudadano español quiere ver algo más que las  vivencias de cuatro matados en un bar o una historia que ya les suena a vista. Si se quiere trazar un futuro, sea del cine con o sin presupuesto, la mejor forma es estrujarse el cerebro y amoldarse un poco a lo que el espectador desearía ver. Quizás así, además de quitarnos algún que otro complejo, podríamos competir con el cine francés. 

     

    Ver BARATOMETRAJES 2.0.

    Una producción de HUGO SERRA PRODUCTIONS y CUTFILMS
    Vista en PASE DE PRENSA online.

    Nota del autor:
    7,0 ████████ (Buena)
    Promedio de notas:
    No realizado.Película en CARTELERA a partir del 04 de Abril de 2014.
    FilmAffinity: — | CINeol: — | IMDb: — | LGEcine: 7,0

     

     
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