Título original: Bullets over Broadway
Títulos alternativos: Balas sobre Nueva York (México)
País: EEUU
Primera proyección:
 Canadá, 16 Sep. 1994 (Toronto Film Festival)
Duración: 
98 min.
Director: 
Woody Allen

Guión: Woody Allen & Douglas McGrath
Música: George Gershwin
Género: Comedia. 
Reparto: John Cusack, Dianne Wiest, Chazz PalminteriJim BroadbentRob Reiner, Harvey Fierstein, Mary-Louise Parker, Jennifer Tilly, Tracey Ullman, Joe Viterelli, Jack Warden, Debi Mazar

“[…] Formula observaciones, ofrece sugerencias y abre vías de reflexión […] El realizador no quiere dar soluciones, sino interesar al espectador en el arte y en los grandes temas que lo rodean […] Un guión coherente y sólido […] Rica y convincente ambientación de época […]”

Film nº 24 de Woody Allen (“Match Point“, 2005). El guión es de Allen y de Douglas McGrath. Se rueda en exteriores y escenarios reales de NYC (Broadway, Brooklyn, Central Park, Upper West Side…) y en estudio. Nominado a 7 Oscar, gana uno (actriz reparto, D. Wiest). Producido por Robert Greenhut, se proyecta por primera vez en público el 16-X-1994 (Toronto Film Festival).

La acción tiene lugar en NYC y Boston entre septiembre y noviembre de un año situado entre 1920 y 1930. El autor teatral David Shayne (Cusack), natural de Pittsburg, consigue representar y dirigir su tercera obra a cambio de algunas concesiones al productor mafioso Nick Valenti (Joe Viterelli).

El film suma los géneros de comedia y crimen. Plantea diversas cuestiones relacionadas con el teatro y, por extensión, con el arte. ¿El fin del teatro es distraer o enriquecer el espíritu? ¿Es el arte superior a la vida? ¿Es compatible el arte con las concesiones?¿El arte es un objeto de lucimiento? ¿Es caprichosa la creación artística? ¿El artista debe aceptar la existencia de límites morales o puede construirse un universo moral propio? La película no aporta respuestas. Formula observaciones, ofrece sugerencias y abre vías de reflexión. Relaciona los interrogantes con hechos tomados de la vida misma, al objeto de incentivar la reflexión y el debate. El realizador no quiere dar soluciones, sino interesar al espectador en el arte y en los grandes temas que lo rodean. Enfrenta el mundo del arte y el mundo del hampa, porque el encuentro de ambos arroja luz sobre los temas planteados y hace que el espectador se sienta capaz de generar respuestas. La constatación que emerge por encima de todas las consideraciones es que el artista nace artista, que el artista no es necesariamente un ser virtuoso, que no es artista el que quiere serlo sino el que lo es.

El relato se basa en un guión coherente y sólido. La acción se enmarca en una rica y convincente ambientación de época. Las interpretaciones principales y de reparto corren a cargo de un elenco de lujo. La cinta está punteada de humor negro, que se desgrana en ocurrencias sutiles y, en algunos momentos, adquiere forma y dimensiones de oleada o tromba. Es muy hilarante la sátira sobre los caprichos de la creación artística.

El film aporta citas literarias (Poe, Chejov), dramáticas (Eugene O’Neill, Shakespeare, Strindberg), plásticas (Van Gogh), melómanas (Kern, Ira Gershwin) y filosóficas (Nietzche). La reiterada expresión “No digas nada“, de Helen Sinclair (Wiest), según comentaristas es una parodia de la madre de “La rosa tatuada” (Daniel Mann, 1955).

La música crea una sugestiva banda sonora de época, con temas tan atractivos como “Toot, Toot, Tootsie” (Al Jolson) y otros de Kern y Hammerstein, Cole Porter, Gershwin, etc. La fotografía, de Carlo Di Palma, ofrece una exelente narración visual con aproximaciones y “travellings” emotivos, planos largos, barridos, ambientes de cine negro y una intensa coloración crema que atenúa los colores y la luz.

Nota del autor:
8,0 ████████ (Muy buena)

Promedio de notas:
7,4 ███████ (Buena)

Filmaffinity: 7,6 | CINEol: 7,2 | IMDB: 7,5 | LGEcine: 7,5

 

COMENTARIOS DEL EQUIPO LGE

Sandro Fiorito
“Woody Allen desciende hasta los bajos fondos y el mundo del teatro de los años veinte para narrarnos otra de sus inagotables cadenas de interesantísimos diálogos sobre el amor, la vida y otros aspectos sociales a los que habitualmente suele recurrir el director. En esta ocasión el hilo conductor de la historia planea sobre los conceptos de la manipulación a la que pueden llegar a ser sometidas algunas personas que lamentablemente, conscientes de ello o completamente desconcertadas, se acaban convirtiendo en simples marionetas al servicio de las personas más listas y malvadas, de aquellas que para llegar primeras a la cima de una montaña no dudan en pisotear y enterrar a todo aquel que se encuentren por su camino, no sin antes sacarles algún tipo de provecho. La corrupta forma en la que se puede sacar adelante un proyecto teatral (en la misma línea que la de uno cinematográfico), el talento malgastado (o la falta de éste) y las relaciones de conveniencia son otros de los puntos que podemos encontrar en esta pulcra, elegante y didáctica historia. 7.”

Written by Miquel Alenyà

Colaborador de LGEcine

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